Man verstehe mich nicht falsch, der Vortrag ist nicht in klebriges Bonbonpapier gewickelt. Die Helle und Klarheit dieser Stimme wirkt wie tänzelnder Lichtschein, der den oft düster-gedämpften, durchaus auch mal in die Achtziger schielenden Grundton des Werks illuminiert. Das im Refrain ohnehin vom Schlagzeug vorangetriebene, lebendige Days Gone By etwa gewinnt sein i-Tüpfelchen durch die sireneske Intonation, welche auf dem verzerrten Retro-Sound dahinsurft. In solch Augenblicken sind Mint Julep nahe an der Art von Perfektion angelangt, die dem Paar für dies Album wohl vorschwebte. Why Don’t We allerdings lebt eine Drögheit aus, die nur durch besagten Gesang gemildert wird. Zwischen diesen Polen driftet das Werk hin und her, anmutig und unentschieden zugleich. Dem sacht schlurfenden Charme von Stay scheint kein Kraut gewachsen, so schleppt sich das Duo tief und tiefer in die Gehörwindungen derer, die ihr tägliches Ratiönchen Dream-Pop nie und nimmer missen wollen. Derart tönt ein die Sinne becircendes Ab­ra­ka­da­b­ra. Das gilt mit Einschränkungen auch für den dank klar konturierten Synthies robuster gebauten Titelsong Save Your Season oder dem rockigen, knalligen Cherry Radio. Bei solch Tracks entscheidet nicht Hollie Kenniffs Vortrag über Gedeih und Verderb – oder scheitert gar an der Gleichförmigkeit der Musik.

Dem Werk, das will ich nochmals unterstreichen, mangelt es an einer über einzelne Lieder hinausreichenden Inspiration. Save Your Season kennt viel Monotonie, trotz phantastischer Passagen. Mint Julep müssen sich an Tracks wie Aviary, Days Gone By oder eben Stay messen lassen, deshalb ringt mir das Album in seiner Gesamtheit die eine oder andere Enttäuschung ab. Dem Funken sprühenden Glanz einer Handvoll Lieder steht auch ein Schatten gegenüber, den nur der feine Gesang ein bisschen durchbricht. Da hilft dem Hörer leider auch keine Taschenlampe.

Save Your Season ist am 20.01.2012 auf Village Green erschienen.

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Photo Credit: Nicole Nodland

Doch allmählich kippte die Stimmung, vermutlich als ruchbar wurde, dass Lana Del Reys Debüt bei Universal erscheinen würde. Dann vermutete man Kalkül hinter dem rasanten Aufstieg, fühlte sich vor den Karren einer perfiden, weil nicht sofort als Werbefeldzug erkennbaren Kampagne gespannt. Dieser Tage nun erscheint Born To Die und all das frühere Lob ist manchmal dezenten Verächtlichkeiten gewichen. Würde man nun zum Vaterschaftstest bitten, lediglich die dem Massengeschmack verpflichteten Vertreter ihres Standes würden noch enthusiastisch die Hand heben. Der Rest übt sich in einer Kindesweglegung, welche sich auch – aber eben nicht nur – durch eine gewisse Enttäuschung erklären lässt. Und hier kommt der zugegeben menschliche Makel der Destruktivität ins Spiel, der ein Album auch deswegen abwertet, weil es die Gier nach Überraschungen nicht befriedigt. Weil es im Kern die bereits bekannten Songs auffährt, keine Handvoll an weiteren Sensationen im Köcher beherbergt.

Born To Die steht in der Tradition der allergrößten Pop-Platten. Weil es sich genau der Mittel bedient, die Pop erst groß gemacht haben. 5 Hits stehen beinahe ebenso viele gute Songs zur Seite, dazu noch 3 Lückenfüller, fertig ist die Scheibe. Pop-Alben hatten noch nie die Ambition durchgängig überirdischen Niveaus, Pop handelt berechtigterweise im Sinne des Kommerz und spart sich den einen oder anderen Kracher lieber für das nächste Album auf. Born To Die forciert schmachtende, aufgeplusterte Liebesballaden. Das war schon immer so, dies funktioniert auch gegenwärtig, wird auch in Zukunft Erfolgsgarant sein. Daran kann ich nichts Verwerfliches finden. Wann zierte das Genre denn jemals ein besonders ausgestaltetes Problembewusstsein, das sich Umweltschutz oder Kinderarbeit an die Fahnen geheftet hätte? Pop begleitet Gefühle, nie Ideale. Das Genre gebiert Stars, deren Image eine gewollte Künstlichkeit an den Tag legt, in den besten Fällen ein faszinierendes Image kreiert. So passt es ins Bild, dass Lana Del Rey eigentlich Elizabeth Grant heißt und sich mit ihrem gewählten Künstlernamen einen mondän-exotischen Glanz verleiht. Während sich manch Kollegin als futuristisches Chamäleon verdingt, fällt Del Rey auf die Vergangenheit zurück. Wenn sie ihre Musik als Hollywood Pop und Sad Core charakterisiert, sollte uns Hörer der ab und an biedere Glamour nicht überraschen. Da Pop, der erfolgreich sein möchte, auch immer ein gehöriges Maß an Modernität besitzen muss, wird manchem Streicher-Pomp früherer Zeiten noch ein Trip-Hop-Beat oder eine Rap-Einlage beigemengt.

Lana Del Rey – Video Games von universalmusicdeutschland

Man sollte die Ehrlichkeit dieses Werks bewundern – und es nicht als Verrat ansehen, dass aus einem Geheimtipp in Lichtgeschwindigkeit ein die Masse avisierender Popstar erwuchs. Der dramatische Gestus des Titelsongs Born To Die wirkt in Cinemascope gehalten, schwelgt und schwebt im Pathos, liefert zugleich das Rüstzeug für Krisenzeiten, indem es dem den Worten “Cause you and I, we were born to die” ein “Try to have fun in the meantime” beifügt. Fatalismus trifft auf Hunger nach Leben. Solche Attitüde wirkt nie auf ein Hinterzimmer beschränkt. Video Games wiederum ist eine musikgewordene Männerfantasie der sich verzehrenden, Hingabe praktizierenden Liebenden. Unschuldig vorgetragene Hymne, die all das impliziert, was heutzutage sonst gern mit einem offensiven Fuck me ausgedrückt wird. Rückwärtsgewandte Verklemmtheit oder Reiz des Unausgesprochenen? Ersteres, ohne Zweifel! Doch präsentiert sich Del Rey nicht als verhuschtes, kein Wässerchen trübendes Naivchen. Sie praktiziert nicht den auf Knien vollzogenen Purzelbaum in voremanipatorisch Zeiten. Dazu wirkt ein Song wie Blue Jeans im Vortrag zu dezidiert. Doch wo viele weibliche Popstars samt dazugehörigem Sex-Appeal jede Bühne sprengen, implodiert Lana Del Rey fast vor Begierde, ehe sich der Gefühlsschwall über den Hörer ergießt. Dann verströmen Zeilen wie “Now my life is sweet like cinnamon/ Like a fucking dream I’m living in” ein emotionales Idyll, in das man allzu gerne eintaucht (Radio). Ihr Sentiment wird volllippig artikuliert, ganz große, stark feminine Gefühle ergießen sich in perfekt geformte, schwülstige wie kräftige Refrains.

In der Summe fällt nur ein Mangel tatsächlich ins Gewicht. Dass von den zuvor unveröffentlichten Titel lediglich Radio, und mit Abstrichen Dark Paradise sowie Summertime Sadness zu begeistern vermögen. Die aufgestaute Erwartungshaltung entlädt sich jetzt in Nörgelei, plötzlich kramt ein jeder Musikkritiker nach Schwächen, trampelt auf dem herum, was im Sommer 2011 noch als so großartig und neu gegolten hatte. Lana Del Rey wird nicht länger der Nimbus der Neuentdeckung zugestanden, man diffamiert sie als clever designtes Sternchen, auf welches man zunächst reingefallen ist. Doch rechtzeitig mit der Veröffentlichung von Born To Die scheint die Erfolgsformel durchschaut, es wird zum Halali geblasen. Der fade Beigeschmack der Rezeption bleibt – will so gar nicht zu diesem ausgesprochen guten Album passen.

Born To Die ist am 27.01.2012 auf Vertigo Berlin erschienen.

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The Holiday Crowd

Beginnen wir mit einer im kanadischen Toronto angesiedelten Band namens The Holiday Crowd. Das dieser Tage veröffentlichte Minialbum Over the Bluffs ist eine im Stile ein bisschen an The Smiths erinnernde Liebeserklärung an Scarborough, einem Stadtteil von Toronto. Dieses 7 Tracks umfassende, mit einer Spielzeit von knapp 25 Minuten irgendwo zwischen EP und LP verortete Werk erinnert auch daran, dass es aus den Achtzigern mehr zu schürfen gilt, als zumeist nur jenen vorwiegend unsäglichen Synthie-Pop. Kurzum The Holiday Crowd haben die richtigen Vorbilder – und das nötige Talent. Darum sollte man Over the Bluffs unbedingt anhören, auch wenn es derzeit viel prominentere Platten zu erlauschen gibt. Die Möglichkeit dazu bietet ein Album-Stream auf Exclaim.

Over the Bluffs ist am 24.01.2012 auf New Romantic erschienen.

Saint Etienne

Wenn sich eine Formation ein eigenes Genre verdient hat, dann die Briten Saint Etienne mit ihrem sophisticated Disco-Glam-Pop. So richtig ins Herz geschlossen habe ich sie seit ihrem Auftritt beim Berlin Festival 2009. Wie Sängerin Sarah Cracknell samt lässig drapierter Boa imponierte, ihr vornehm divareskes Charisma versprühte, das hatte Stil und Flair. In diesem Jahr schicken sich Saint Etienne nun an, das erste Studioalbum seit 2005 zu veröffentlichen. Als erste Kostprobe erfreut der Track Tonight, der belegt, dass das Trio noch immer im Saft steht. Wann die neue Platte das Licht erblickt, das steht noch nicht fest. Ob man die Scheibe um jeden Preis ergattern muss, vermag ich auch noch nicht zu sagen. Aber wenn Saint Etienne durch die Lande ziehen, dann darf man sich einen Auftritt unter keinen Umständen entgehen lassen. Selbst ein mittelstarkes Erdbeben kann nicht als Ausrede gelten! (Den kostenlosen Download von Tonight gibt es gegen Angabe von Sozialversicherungsnummer, Blutgruppe und Geburtsort auf der offiziellen Homepage von Saint Etienne.)

Damien Jurado

Wenn ich auf Damien Jurado zu sprechen komme, weiten sich meine Augen vor Begeisterung. Schwärmerei für einen Singer-Songwriter, der zu den besten seiner Zunft gehört! Wie bereits berichtet erscheint sein jüngstes Album Maraqopa am 24.02.2012 auf Secretly Canadian. Jetzt dürfen wir einen zweiten Track, Museum of Flight nämlich, daraus bewundern. Ein feines, sanft im Falsett haderndes Stück, wie man es nach dem großen Album Saint Bartlett freilich erhoffen durfte. Wunderbarst! Unbedingt downloaden!

Tourtermine:

28.01.2012 Köln – King Georg
01.03.2012 Hamburg – Astra Stube
07.03.2012 Berlin – Comet Club
08.03.2012 Leipzig – UT Connewitz
09.03.2012 Schorndorf – Manufaktur
25.03.2012 Fribourg (CH) – Fri-Son
26.03.2012 Zürich (CH) – El Lokal
27.03.2012 Freiburg – White Rabbit

The Kabeedies

Mensch, was war Rumpus für ein enorm beschwingtes, aufgeweckt unterhaltsames Debüt! Nun legen die Briten The Kabeedies mit Soap demnächst das zweite Album vor. Es gilt folglich die Qualität des Debüts zu bestätigen. Zumindest die erste Single Eyes kann mit bereits unter Beweis gestelltem Elan und der gezeigten Eingängigkeit nicht völlig mithalten. Einerlei! Ich für meinen Teil werde Soap auf alle Fälle voll Wohlwollen begegnen und den Lesern in Bälde über die Scheibe berichten. (VÖ: 24.02.2012 auf Fierce Panda)

Das soll es an Neuvorstellung für heute mal wieder gewesen sein. Demnächst natürlich mehr!

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Photo Credit: City Slang

Das Ambiente, in welchem Gibson ihre Songs ansiedelt, umwittern ausreichend Geheimnisse. Man käme nie auf den Gedanken, es als pittoresk abzutun. Der hier präsentierte Alternative Country scheint mit einer feinen, rustikalen Patina versehen. Dem entgegen spreizt sich die anmutige Stimme voll feenhaftem Hochglanz. Dieser sich verschränkende Charme umgarnt. Gibson streut ihre Einfälle und Lyrics nie gleich Konfetti in die Luft, überschüttet den Zuhörer nicht mit wie zufällig hereinprasselndem Stückwerk, das danach verlangt, mühsam zusammen gepuzzelt zu werden. Wie die Songwriterin Lyrics, Komposition und Vortrag aneinander schmiedet, diese handwerkliche Komponente gibt der Platte den nötigen Schliff. Sorgt dafür, dass Laura Gibson nicht so einfach aus dem Gedächtnis purzelt. Das gedämpfte Milk-Heavy, Pollen-Eyed etwa glimmert um den Satz “I cannot keep myself from stumbling back to you“, bietet mehr als die übliche Abhandlung von Wohl und Weh einer Beziehung. Nicht nur wegen des dezenten Bläserlamentos, vor allem weil Zeilen wie “If salvation never takes our hands, we’d dance around the wreckage nonetheless” eine Sprache sprechen, die sich nicht in Phrasen erschöpft, und eine Nachdenklichkeit vermitteln, die man sich als Hörer gerne zu eigen macht. Crow/Swallow formuliert Gedankenschwere (“Time has a way of stealing our breath, and milking the light from our pores, many will fill their oak barrel wombs with patience instead of desire“) mit Zärtlichkeit, ohne Bitterkeit. Verbiegt sich für keinen Reim, wiegt Worte derart sorgsam ab, dass sie auch weniger Wohlmeinende nie für zu leicht befinden können. Gibsons Texte ringen mit der Vergänglichkeit, sehen dem Tod entgegen (beispielsweise der Titelsong La Grande oder Feather Lungs), entwickeln dabei jedoch ein ungeahntes Plädoyer für Leidenschaften, verbunden mit einer entwaffnenden Einsicht (“Babe, you were right about tomorrow. Time is not against us“). Time Is Not fungiert jedoch nicht als Feigenblättchen eines von wurmstichigen Depressionen erfüllten Albums. Gibsons Sentimente und Hirnregungen schürfen tief, graben aber weder Hysterie noch Lethargie hervor.

La Grande by cityslang

So sehr mir die textliche Ebene Freudensprünge abringt, will ich auch die Musik nicht mit Schweigen bedenken. Mitunter wehen sacht artikulierte lateinamerikanische Klänge durch die Lieder (Lion/Lamb oder Red Moon), brechen das folkige Korsett, verströmen eine schiefe Leichtigkeit, eine Wärme bar jeglicher Sprödnis. Auch an ausgesprochenem Western-Charme mangelt es nicht (Skin, Warming Skin), der Lap-Steel-Gitarre sei Dank. Insgesamt sind Gibsons Arrangement so markant wie dezent, eindringlich und dicht, gelegentlich altmodisch, oft eine ländliche Weite suggerierend. Der Sound erschafft ein in bestem Sinne kleinstädtisches Ambiente. Malerische Choräle oder existentielle Weltabgewandtheit sucht man vergebens, auf gegenwärtigen Schick gibt die Liedermacherin wenig.

La Grande zeigt eine Singer-Songwriterin auf dem vorläufigen Zenit ihres Schaffens. Laura Gibson bietet Substanz, wo viele ihrer Kolleginnen nur prätentiös und mädchenhaft erscheinen, im Strudel der eigenen Empfindungen versogen agieren. In seiner Stimmigkeit zählt dieses Werk bereits jetzt zu den Highlights des Musikjahres 2012. Da es existiellen Dingen versöhnlich und ernst begegnet, dabei voll eleganter Schönheit schwingt, muss man es einfach gehört haben!

La Grande ist am 13.01.12 auf City Slang erschienen.

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Kostenloser Download des Titelsongs La Grande

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Freilich ist Future This kein Griff in die kompositorische Mülltonne. Im Gegenteil, die Platte stellt sicher, dass The Big Pink nicht als Eintagsfliege in die Annalen der Musik eingehen. In Zeiten, in denen gefühlt jeder zweite Erdbewohner schon einmal Mitglied in einer Band war, langt das Talent von Robbie Furze and Milo Cordell locker, um auch noch in Erinnerung zu bleiben, wenn der überwiegende Rest bereits aus dem kollektiven Gedächtnis gepurzelt sein wird. Und dennoch muss ich dem Album den einen oder anderen Makel ankreiden. Beispielsweise den Umstand, dass es sein Pulver gleich zu Beginn verschießt. Mit den beiden ersten Titeln Stay Gold und Hit The Ground (Superman) knüpfen das Duo fast nahtlos an das starke Debüt an. Stay Gold bietet wieder ein Feuerwerk von einem Refrain auf, der sich völlig enthusiastisch überschlägt. Solch Songs entzücken die Massen. Danach plätschert vieles ein wenig zu gepimpt dahin, schwankt das Damoklesschwert kalkulierter Hipness über manchem Lied. Nö, langweilig wird ein Song wie Give It Up nicht wirklich, aber es fehlt die gitarrige Frische gegenüber protzblitzigen Beats. Manchmal verkehren The Big Pink ihre frühere Unverkrampftheit ins Gegenteil, marschieren bei Rubbernecking gleich fröhlich blechernen Duracell-Häschen dahin oder lavieren sich mit einer äußerst routinierten Nullachtfünfzehnhaftigkeit durch ein nichtssagendes Jump Music oder den bis auf den hervorragenden Kehrreim eher mittelmäßigen 80er-Aufguss Lose Your Mind, samt an Herrn Slashs beste Zeiten erinnernde Gedächtnis-Gitarre. Mit dem zurückhaltenderen, letzten Titel 77, der ein wenig an Paradise Circus von Massive Attack erinnert, kriegt das Album jedoch wieder die Kurve.

Einem dem imposanten Erstlingswerk nachstehenden Future This kann und möchte ich dennoch sehr viele positive Eigenschaften abgewinnen. The Big Pink bleiben eine fixe Größe am englischen Musikfirmament. Trotz eines weniger unbekümmertem Zugangs formen sie Momente, in denen das Popcorn nur so knallt. Um die Zukunft des Duos muss man sich trotz kleiner Entwicklungsdelle also keine echten Sorgen machen.

Future This ist am 13.01.12 auf 4AD erschienen.

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Die aus der kanadischen Provinz Saskatchewan stammende Formation bedient mit ihrem jüngsten Werk keine schlichten Fantasien, die ein Zurück zur Natur verklären. Eher schon steht ein Track wie Big City Lights verstört vor den Kulissen der Stadt und spricht gleich einem Mantra von Ruhe und Stille. Um zum Aussteiger zu mutieren, muss man irgendwann zuvor den Trubel zunächst einmal umarmt haben. Doch The Deep Dark Woods sind keine glubschäugigen Landeier, die es voll Euphorie in die weite Welt verschlägt, nur um schon kurz darauf die zivilisatorische Dekadenz der Großstadt zu erkennen. Ihre Reflektionen beschäftigen sich viel grundsätzlicher mit menschlichen Irr- und Abwegen, mit Herzschmerz und unweinerlichem Verlierertum.

The Deep Dark Woods – West Side Street by Sugar Hill Records

Never Prove False etwa propagiert den Fortgang, einen in dramatischen Folk gewandeteten Aufbruch in ein fremdes Land, welches schon mit einem Hauch Exotik lockt und über den Schmerz der notwendigen Trennung überschattet. Wirklich großartig fächert The Ballad of Frank Dupree die Gedanken eines Mörders vor der Hinrichtung auf, das Selbstmitleid eines verpfuschten Existenz, die Konfrontation mit der betrübten Mutter, allzu späte Einsichten. The Banks of the Leopold Canal wiederum handelt vom Einberufungsbefehl eines Soldaten, der ihn in den Krieg gegen die Nazis, genauer gesagt zur Schlacht an der Scheldemündung, schickt. Letztlich thematisieren The Deep Dark Woods gewollte wie ungewollte Abschiede sowie Wege, die in den Abgrund führen. Die Lieder definieren ein wie ein Schatzkästchen gehütetes Gefühl von Heimat ebenso, wie sie natürlich auch in die Ferne vagabundieren, nach Neuem streben. Jene Unrast tritt besonders im in jeglicher Hinsicht formidablen Titelsong The Place I Left Behind zutage. Eine Unruhe des Herzens lässt sich auf bei Virginia konstatieren, wenn eine süßliche Orgel das Liebesleid des in den Fängen der Angebeteten zappelnden Mannes untermalt. Wie Mary’s Gone gekonnt auf die Tränendrüse drückt, sagt viel über das Songwriting der Band aus. The Deep Dark Woods versteigen sich nie zu großen Dramen, schildern Schicksale mit einer Schlichtheit, vermeiden Mal für Mal ein Übermaß an Worten. Solch textliche Prägnanz wird durch die klare, ungeschniegelte, erdige Stimme Ryan Boldts ergänzt, abgerundet von einem wohldosierten, so abwechslungsreichen wie zugleich charakteristischen Sound aus Orgel, Banjo und Pedal-Steel-Gitarre.

Ob bluesige Note oder herrlichste Folkigkeit, ob Ballade oder schunkeliger Country, stets strahlt die Band unverfälschte Klänge aus. Eine ländliche Musik, die im Gestern wie im Heute fußt, sich abseits aller Klischees bewegt und perfekt austariert erschallt. Das absolut stimmige The Place I Left Behind driftet nie in die Angestrengtheit vieler Genre-Genossen ab, klingt umso fokussiert, je rastloser die Protagonisten der Songs durch das Leben stapfen. The Deep Dark Woods haben mit der Platte eines der echten Highlights des Jahres 2011 gesetzt. Eines, das lohnt, die musikalischen Leckerbissen von 2012 noch ein wenig schmoren zu lassen!

The Place I Left Behind ist am 18. 10.2011 auf Sugar Hill Records erschienen.

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Downloadtipp:

Folk meets Shoegaze, so lässt sich die Philosophie der Band The Nocturnes zusammenfassen. Mit Emma Ruth Rundle, ihres Zeichens auch Gitarristin der Post-Rock-Formation Red Sparowes, hat die Band eine veritable Frontfrau vorzuweisen. Das 2011 erschienene Album Aokigahara ist nicht frei von Längen, besitzt aber einige lauschige und andächtige Momente voll zeitloser Entrückheit. Der unspektakuläre, raffiniert repetetive Titel Love etwa zählt dazu. Natürlich auch der nahezu sakral anmutende Titelsong Aokigahara. Fast ebenso geglückt: The Road mit schön verwobenem Gesang. Diesem als kostenlosen Download auf bandcamp verfügbaren Album sollte man in einer Mußestunde sein Ohr leihen. (via Coast Is Clear)

Livetipp:

Wenn Musik eine ureigene Welt kreiert, die vor Atmosphäre nur so strotzt, sich in Rätseln vertieft, mit fiebrigen Schauern die Sinne weckt, dann sollte man solch Großartigkeit dankbar erlauschen. Im Falle von The Kilimanjaro Darkjazz Ensemble möchte ich nicht müde werden, die Faszination hervorzustreichen, die dieser einzigartige Sound in mir weckt. Wer seinerseits tief in unergründliche Gefilde eintauchen möchte, dem bietet sich mit Live – I Forsee the Dark Ahead, If I Stay eine feine Gelegenheit. Das erste Livealbum der niederländischen Formation liefert eine Werkschau, welche einen guten Eindruck vom bisherigen Schaffen vermittelt, dank zweier unveröffentlichter Tracks auch dem eingeschworenen Fan etwas Neues bietet. Den zwischen 2006 und 2011 in Spanien, Ungarn, Polen, Slowenien und den Niederlanden entstanden Mitschnitten haftet eine beeindruckende Aura an, die jeglicher Beschreiben letztlich doch nur spottet. Daher empfehle ich einmal mehr eine vertiefende Beschäftigung. Live – I Forsee the Dark Ahead, If I Stay ist auf bandcamp als Download verfügbar, bei dem man den Preis selbst bestimmen darf. Dieser muss nicht zwangsläufig 0 Euro betragen! (bei Schallgrenzen gefunden)

Entdeckertipp:

Wer bereits 30 Lenze oder mehr auf dem Buckel hat, wird sich vielleicht an eine Zeit erinnern, als man noch musikalischen Instanzen fernab des Internets folgte, auf die Empfehlung von Musikmagazinen hörte oder dem Verkäufer im lokalen Plattenladen vertraute. Irgendwie sehe ich heutzutage trotz gefühlter Millionen an Musikblogs wenige seriöse Autoritäten, deren eloquent geäußerter Geschmack stets gute Songs garantieren. Eva-Maria vom Polarblog freilich zählt zu den wenigen Ausnahmen. Was sie empfiehlt, beschert oft und öfter Freude. So auch die jüngst ans Herz gelegte finnische Formation Burning Hearts.  Wer dem – laut Eigendefinition – Electro-Folk-Pop lauscht, wird auf das Angenehmste berührt. Beispielsweise vom Song Burn Burn Burn, dem Single-Vorboten des für Februar angekündigten Albums Extinctions. Das Lied offeriert weit mehr als sacht dahin plätschernden, wohltemperierten Indie-Pop, den kein Wässerchen zu trüben vermag. Es hat schlicht und ergreifend zu viel Charme, um in Unscheinbarkeit zu verharren. Auch Into The Wilderness ist sehr gefällig, zeigt, dass Electro-Pop nicht immer als Drohung aufgefasst werden muss.

Burning Hearts: Burn Burn Burn by Solina Records

Into The Wilderness by Burning Hearts

Heute ist nicht alle Tage, demnächst mehr, keine Frage!

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Justin Townes Earle

Justin Townes Earle begleiten wir schon länger auf seinem musikalischen Weg. Uns ist durchaus bewusst, dass man mit Edel-Country und Americana in Deutschland nicht unbedingt die Massen hinter dem Ofen hervorlockt. Speziell dann nicht, wenn man noch in der Blüte seiner Jahre steht. Ein altersweise Stimme tut sich beim Country schon leichter. Americana wiederum wird von der Kritik wohlwollender aufgenommen, je stärker sie an den eigenen Wurzeln knabbert. Der Storyteller Earle dekonstruiert keine Genres, er erzählt seine Geschichten realitätsnah wie ungekünstelt, mit der Gabe einer Einfühlung. Ob Midnight at the Movies oder Harlem River Blues, allein diese zwei Platten brachten tolle Lieder hervor. Das in Amerika am 27.03.2012 auf Bloodshot Records erscheinende Nothing’s Gonna Change The Way You Feel About Me Now wird seinen Vorgängern in nichts nachstehen. Weil der Titelsong Nothing’s Gonna Change The Way You Feel About Me Now sehr gut klingt und Justin Townes Earle noch auf jeder Scheibe einige Highlights versammelt hatte. Auf seiner Homepage gibt es besagtes Lied derzeit als Gratis-Download. Wer sich gegen eine E-Mail-Registrierung sträubt, wird auch beim Rolling Stone fündig.

Great Lake Swimmers

Eine Herzensangelegenheit. Ein anderes Wort will mir nicht einfallen, wenn ich an das Wirken der Great Lake Swimmers denke. Wie Mastermind Tony Dekker zeitgemäßen Folk von höchster Eigenständigkeit ersinnt, das begeistert mich stets. Nachdenklichkeit und Tiefgang berührt das Herz, erzeugt eine Stimmung des Sehnens, die nicht die üblichen Befindlichkeiten abspult. Die Magie des neuen Albums New Wild Everywhere (VÖ: 30.03.2012 auf Nettwerk) will ich daher keine Sekunde lang anzweifeln. Als erste Single-Auskopplung erscheint am 17. Januar das ungewohnt rockige, deftig beschwingte Easy Come Easy Go. Ein wirklich guter Track, der die Neugier weiter anstachelt. Wird dem distinktive Sound der Great Lake Swimmers eine neue Facette beigefügt?

Great Lake Swimmers – Easy Come Easy Go (radio edit) by nettwerkmusicgroup

Xiu Xiu

Xiu Xiu ist stets für einen gepflegten Schockeffekt gut. Mastermind Jamie Stewart provoziert mit avantgardistischem Touch, schreckt auch vor ausgesprochener Weinerlichkeit nie zurück. Man denke nur an das Album Dear God, I Hate Myself, und speziell an das gleichnamige Titellied samt Video, zweifelsohne eines der Hightlights des Musikjahres 2010. Nun meldet sich Xiu Xiu mit dem Track Hi zurück, der die neue Platte Always ankündigt (VÖ: 27.02.2012 auf Bella Union). Hi ist ein starker Song, der die gewohnten Stärken einmal mehr hervorkehrt. Wie Xiu Xiu Pop-Melodien mit Beklemmung füllt, das ist nach wie vor nichts für zartbesaitete Gemüter.

Hi by Xiu Xiu

Speech Debelle

Mal ehrlich, man hatte die britische Rapperin Speech Debelle eigentlich schon wieder vergessen. Sie schien eine Eintagsfliege, die mit ihrem Debüt Speech Therapy zwar 2009 den Mercury Music Prize gewinnen konnte, danach aber nicht mehr wirklich in Erscheinung trat. Anfang Februar wird das Nachfolgealbum Freedom Of Speech in hiesigen Breiten veröffentlicht (VÖ: 10.02.2012 auf Big Dada). Soviel möchte ich schon verraten: Die Geschichte des Rap muss keinesfalls umgeschrieben werden, ein paar Titel sind mehr als nur ordentlich, der Rest tönt – euphemistisch ausgedrückt – eher unauffällig. Den Track Studio Backpack Rap gibt es hier als kostenlosen Download. Wer aufgrund dieses guten Titels dem Album voll Spannung harrt, dem sei gesagt, dass man hier einen der rar gesäten Höhepunkte serviert bekommen hat. Über den Rest breche ich zu gegebener Zeit mein Schweigen.

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Das selbstbetitelte Album wirkt weinerlich, ohne dabei in Würdelosigkeit abzudriften. Es kennt keinerlei Hysterie, maltnie völlig Schwarz auf Schwarz. Dadurch wird es erst verdaulich. Zeilen wie “The car is really burning fast/ The brakes were never meant to last” bieten bei allem Trübsinn vereinzelt auch ein klitzekleines Augenzwinkern an. Deshalb steht ein Song wie etwa Arrest My Eyes bei mir hoch im Kurs. Denn obwohl ich kein Freund von Lyrics bin, die sich extrem auf Gedanken- und Eindrucksfetzen fokussieren und daraus einen Labyrinth konstruieren, aus dem der Ausweg als vage letzte Hoffnung erscheint, so bin ich wirklich angetan, in welcher Qualität dies hier geschieht. Weil Guenthers Vortrag komplexe Emotionen hervorzukitzeln versteht, den Hörer dabei mit erstaunlicher Leichtigkeit in seine Perspektive schlüpfen lässt. Weil eine nebulöse Zuversicht manch Lieder vor bleischwerem Fatalismus rettet, die Bitterkeit ein bisschen verdünnt (Taste). Die Worte “We will choke/ On a tiny overdose of hope” fassen die Stärke dieser Platte zusammen, die einen gefasst verzweifelten Protagonisten herumirren lässt. Nicht phlegmatisch, zynismusfrei – und deshalb auch unzeitgemäß. Numbered Rows wirkt darum auch wie ein feines Überbleibsel von vor mindestens zehn Jahren. Zu den weiteren Highlights zählt das schwülstige Chiffren skandierende The Arrows, auch Party For The Weak mit der beschwörerischen Zeile “Keep your secrets long enough” quält sich durch hörenswerte Schmerzen.

Arrest My Eyes by starsforthebanned

Stars For The Banned entwickelt eine Sogwirkung, welche den Hörer mit jedem Lied weiter in einen tiefgründigen Gefühlsstrudel zieht. Der Sound verleugnet Vorbilder nicht, bleibt jedoch stets spannend genug, um die Bühne für einen großartig larmoyanten Vortrag und gut ersonnene Lyrics zu bieten. Man verzettelt und verheddert sich in dem Album, da es nie in Offensichtlichkeiten und Trivialitäten mündet, zugleich jedoch keinesfalls als verstörender Hauch von nichts irgendeinen Trend bedient. Stars For The Banned schüttelt flockigen Schnee von gestern über uns aus. Oder wird es gar der  Schnee von morgen?

Stars For The Banned ist am 30.09.2011 auf Labelship erschienen.

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1. Dark Dark Dark – Wild Go
2. Kasabian – Velociraptor!
3. Florence + the Machine – Ceremonials
4. Ladytron – Gravity The Seducer
5. Joel Alme – Waiting For The Bells
6. Anna Calvi – Anna Calvi
7. Feist – Metals
8. Still Corners – Creatures Of An Hour
9. The Deep Dark Woods – The Place I Left Behind
10. Ane Brun – It All Starts With One

11. Sin Fang – Summer Echoes
12. Amon Tobin – ISAM
13. FM Belfast – Don’t Want To Sleep
14. Brett Anderson – Black Rainbows
15. Africa Hitech – 93 Million Miles
16. Erland & The Carnival – Nightingale
17. Juliette Commagere – The Procession
18. Noel Gallagher’s High Flying Birds – Noel Gallagher’s High Flying Birds
19. White Lies – Ritual
20. Exitmusic – From Silence

21. Attwenger – flux
22. Papercuts – Fading Parade
23. Stars For The Banned – Stars For The Banned
24. Tinariwen – Tassili
25. Sebastian Block – Bin ich du
26. Susanne Sundfør – The Brothel
27. Säkert! – Säkert! På Engelska
28. Nils Petter Molvær – Baboon Moon
29. Flare Acoustic Arts League – Big Top/Encore
30. Other Lives – Tamer Animals

31. The Jezabels – Prisoner
32. Dear Reader – Idealistic Animals
33. Lindi Ortega – Little Red Boots
34. Helgi Jonsson – Big Spring
35. Collapse Under the Empire – Shoulders & Giants
36. BADBADNOTGOOD – BBNG
37. Mirel Wagner – Mirel Wagner
38. The Kilimanjaro Darkjazz Ensemble – From The Stairwell
39. Misteur Valaire – Golden Bombay
40. The War On Drugs - Slave Ambient

41. Blondie – Panic Of Girls
42. Beady Eye – Different Gear, Still Speeding
43. Moddi – Floriography
44. Sóley – We Sink
45. Grey Reverend – Of The Days
46. IVY – All Hours
47. CANT – Dreams Come True
48. Efrim Manuel Menuck – Plays “High Gospel”
49. Pat Appleton – Mittendrin
50. Jacob Faurholt – Dark Hours

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